Vanguardia Rusa

Vanguardia Rusa

El vértigo del futuro como se le subtitulo a esta exposición, esta divida por varias secciones  no sé exactamente el orden pero la primera sección en la que me detuve fue en la de música y experimentación sonora, la cual vibra de artistas que le apostaban a todo con tal de expresar su acontecer, su sentir, para de esa forma liberarse de la opresión de su gobierno,  autenticas sinfonías urbanas cargadas de armonías tan contrastantes como sus vidas y su acontecer histórico, estos músicos-artistas fueron parteaguas del siglo XX, como es el caso de Igor Stravinski, Arseni Avraámov, Alexandr Molósov, Dmitri Shostakóvich, Alexandr Scriabin por mencionar algunos.  Me llamo la atención  que pocos lograron sobrevivir y aportar musicalmente pues la hostilidad del gobierno los reprimió, aprendió, fallecieron de manera repentina o como en el caso de Ivan Ignatiev, líder de los egofuturistas, se suicido al segundo día de casarse, cosa extraña pues su vida prometía como lo refleja su único concierto de primavera del futurismo universal, experimentaban con lo que a su alcance tenían ocarinas, flautas, campanas eólicas, entre otros instrumentos que alcanzaban a lograr un concierto poético con toques futuristas un poco estridente pero que vibra de libertad. El cine muy de su época con esa atmosferas liricas un tanto complejas en la construcción de sus escenarios, muy marcada su ideología de conciencia y revolución.

Es una exposición muy nutrida de collages, grafica, esculturas, dibujos, cerámicas, carteles, pinturas, fotografías, etc. de Sergei eisenstein, Vasili Kandinski, Alexandr Ródchenko, Natalia Goncharova, Olga Rozánova, kasimir Malevich, por mencionar algunos nombres que pude capturar con mi teléfono a escondidas porque también en el museo había represión por parte de los vigilantes pues no se podía tomar fotos, sin embargo la fuerza de la imagen que manejaban está cargada de una estética muy construida, muy fina, muy pensada, ellos si sabían el valor que tenia la imagen en su cotidiano, a la hora de hacer campañas sociales o agitación en contra de sus políticos el constructivismo siempre presente en cada pieza, la línea pura, la forma geométrica, la abstracción, la simpleza de sus materiales, los colores que más recuerdo el negro, amarillo, negro y rojo muy presentes en la mayoría de las piezas expuestas, la funcionalidad de sus objetos y sus construcciones, todo muy cargada de significados.

Premio Hasselblad

El hecho de tener una cámara  Hasselblad de entrada para mí ya sería un premio, sin embargo la Fundación  de Victor Hasselblad y Erna Hasselblad o Premio Hasselblad, otorga anualmente 110.000 euros a un fotógrafo que ha destacado  del resto de millones de fotógrafos, por poseer cualidades, habilidades y características personales y técnicas únicas.

Revisando la lista de ganadores como Lennart Nilsson quien  fue el primer ganador en 1980, por sus fotografías científicas que retratan el proceso de gestación dentro del vientre materno, hasta Wolfgang Tillmans, fotógrafo conceptual, ganador 2015 del premio por sus fotografías de investigación sobre conceptos básicos e instalaciones, al ir revisando cada uno pude conocer un poco más de su trabajo mientras mi cabeza trataba de entender los procesos de consideración para el otorgamiento de dicho premio, sin embargo de los fotógrafos vistos los que más llamaron mi atención, fueron el ganador de 1995 Robert Häusser, Susan Meiselas (1994), Hiroshi Sugimoto (2004), Graciela Iturbide (2008), Miyako Ishiuchi (2014), Wolfgang Tilmans (2015).

Me llama la atención que en el caso de muchos, su vida fotográfica empieza como autodidacta, o de manera tropezada, freelance, en algunos casos desde muy pequeños, otros empiezan en carreras de formación ajenas a lo artístico y sin embargo cada uno con una esencia original muy marcada, una mirada muy peculiar y una perseverancia para defender sus procesos de creación y sus necesidades de expresión, por lo que puedo reconocer que este premio no es para cualquiera, por algo es que ha llegado a alcanzar el prestigio que hasta la fecha tiene.

1995  - Robert Häusser

Fotógrafo subjetivo, defensor de la fotografía como arte, nace en Stutgart, Alemania en 1924, es considerado como el precursor de la fotografía contemporánea Alemana, sus imágenes recurren a la abstracción, con un manejo brillante del claroscuro, sus imágenes son de objetos muy específicos y precisos. Sus temas de interés han sido la soledad, el abandono, la muerte, la incertidumbre, su vida en el campo y situaciones políticas que han influenciado en su vida. Ha tenido etapas fotográficas expresivo-narrativas que a su vez han sido consideradas pesadas, dramáticas y sombría. Aunque también ha tenido periodos de claridad donde sus imágenes son más luminosas y delicadas acercándose al dibujo.

Las 21 puertas de Benito Mussolini, 1983

2001 -Hiroshi Sugimoto

Nacido en Tokio, Japón en 1948, es un Fotógrafo conceptual, perfeccionista, obsesivo, maneja de una manera muy cuidada los efectos de la luz para plasmar en el instante preciso al sujeto en el espacio. Su fotografía va entre la historia y la existencia temporal, usa la fotografía como máquina del tiempo, salvaguardado y plasmando la memoria.

2014 - Miyako Ishiuchi

Fotógrafa japonesa nacida en 1947 marcada por la tragedia de la guerra y la ocupación de los vencedores, trata de darle un significado a lo que vivio. Ella captura imágenes porque le significa una recolección de cicatrices, para ella, el ejercicio fotográfico es una compilación del dolor, investiga sobre la intersección de la política y los aspectos personales de la memoria, utilizando todo su potencial estético fotográfico.

2015- Wolfgang Tillmans
Fotógrafo y artista conceptual nacido en Remscheid, Alemania en 1968, trabaja con la inmediatez del momento, su obra investiga sobre los conceptos básicos de la fotografía y la realización de instalaciones. Es experimental y variado en sus técnicas y temáticas.

Lee Miller en el Museo de Arte Moderno

Lee Miller-Fotógrafa surrealista como le pusieron a la exposición, es una retrospectiva que tengo entendido se presenta por primera vez en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, las fotografías me atraparon desde su comienzo por lo que la recorrí dos veces la primera entre directo a ver solo las imágenes y no me detuve a leer textos ni fichas técnicas, sin embargo se entiende perfectamente que sus fotografías representan las distintas etapas de la Artista, es como mirar a través de sus ojos, pensar el instante, su instante, conocer los personajes con los que convivió como Man Ray, Leonora Carrington, Picasso, Joan Miró, Henry Moore, entre otros  e ir por los lugares en que permaneció por cierto tiempo, como su estudio en New York, su estancia en Egipto, Londres (Segunda Guerra Mundial), Europa (liberación y desilusión de la guerra) e Inglaterra donde retrata los momentos que compartió con grandes artistas y amigos.

                                Leonora Carrington y Max Ernst. England-1937

Se siente la relación que existió entre Man Ray y Lee, cómo influye esté sobre todo en lo creativo, a pesar de que Lee ya era surrealista antes de este movimiento, sin embargo ella mantiene su originalidad, rebeldía y libertad única que se refleja en cada foto.

Antes de ser fotógrafa Elizabeth Lee Miller, fue una exitosa modelo en New York que por una controvertida foto termina su relación con la revista Vogue y se va a Francia a conocer a Man Ray y a partir de ahí empieza su carrera como fotógrafa, es importante saber más sobre la vida de la artista porque es en su pasado o en el conocer el tránsito de su vida donde se entiende un poco más de  los porqués de sus imágenes, la influencia que carga. Me gusta la sutileza que maneja, su buen tino o buen gusto, como proyecta sus sueños, tienen una calidez (incluidas las de la guerra) a pesar de estar en blanco y negro, se siente el disfrute con que hacia fotografía.  

                   Lee Miller en la bañera del apartamento de Adolf Hitler (Munich-1945)

                                             Portrait of Space, 1937

Después de la Fotografía 

Fred Ritchin

Es muy cierto en hechos que ya nada es como solía ser, hace un rato venia en autobús rumbo a Tlaxcala leyendo este libro desde mi Tablet al mismo tiempo que revisaba otros artículos y libros descargados en el trascurso del viaje, antes eso  era más complicado  por el peso del equipaje,  es un punto a favor de las nuevas tecnologías, sin embargo es muy cierto que la vida real y la vida virtual se viven de diferentes maneras pues dedicarle tiempo a lo virtual tiene su costo y sin darte cuenta  te desconecta de lo que está sucediendo alrededor se pierde uno del recorrido o de una posible conversación agradable y cálida por estar tratando de estar más o menos actualizada en lo que respecta a estar “informada” de lo que sucede en la vida real o de lo que te interesa, es algo contradictorio. Ver que sujetos dependen del  teléfono celular  y/o que lo revisan cada 30 segundos más o menos,  para ver si hay nuevas actualizaciones en sus redes sociales y mantenerse al margen de las “fotos” que sus contactos suben,  de lo que hacen o dicen, si esta de miedo, porque  ya no se toman el tiempo de leer,  solo miran de reojo todo mientras su dedo pasa y pasa de una manera autómata imágenes con o sin texto,  textos abreviados cargados con emoticons a manera de sustitución de palabras o sentimientos del mismo mensaje  y solo se detienen un segundo cuando alguna de esas imágenes llama su atención pero solo por un instante, todo el día estamos viendo imágenes de manera voluntaria y de manera obligada y más en la ciudad hay una saturación exagerada que llega un momento en que a la vista lastiman,  sin embargo es como un mal necesario pues uno no puede dejar de verlas de hecho estamos tan acostumbrados a ellas que para todo hoy en día requerimos de una imagen (de donde sea o de quien sea para una gran población, no es importante, ponen en el buscador una palabra que se le aproxime a su necesidad y le aparece una cantidad exagerada de imágenes, que solo se descargan de la red para subirla nuevamente a esta, sin tomarse el tiempo de investigar la fuente o si es de un fotógrafo profesional,  un amateur, o un ocioso sin chiste que crea imágenes a través de su teléfono del instante narcisista en que se encuentra y las sube a la red esperando recibir un comentario o un like, solo por tener esa necesidad de querer decir algo o solo llamar la atención, querer ser  “original”)  lo que importa es hacer más creíble o entendible lo que queremos decir o expresar.  Y es por esto y muchas razones más,  donde uno al igual que el autor se pone a pensar en qué momento el peso de la fotografía que documenta se vuelve solo un documento y pierde su valor de cómo fue concebida.  Con el internet la fotografía se consume de diferente manera y también  se interpreta de distinta forma, ya desde un contexto más global, pues es accesible para todo el  mundo por lo tanto una gran parte de la población sube imágenes de su ahora y hoy en día hay una mayor acumulación exagerada de imágenes en cada segundo. ¿Cómo se ha dado toda esta evolución tecnológica?, para muchos y me incluyo no había sido cuestionable,  uno se vuelve parte de esa “realidad”, si es para detenerse a reflexionar por un buen ratote, poner más atención y cuestionarse mucho  lo que está sucediendo con la fotografía y con todo a lo que uno compete.

Comentarios conferencia Prof. Jorge Morales

Alfred Stieglitz  "Equivalent"  (1923)

La conferencia que dio el Mtro. Jorge Morales el pasado 11 de septiembre fecha significativa para mí, porque creo que la conferencia fue de reencuentros y de nuevas influencias, fue una invitación para indagar más en el trabajo fotográfico de Alfred Stieglitz y ver como influyo, como defendió sus ideales y su pasión por mantener en un alto nivel a la fotografía y que no se le minimizara como se venía haciendo fue de gran valor, cuando vi las imágenes proyectadas se me hicieron familiares pues ya las había visto tiempo atrás, las recordaba porque me gustaron mucho sus atmósferas con toque pictórico, pero no tenía conocimiento que quien eran esas imágenes. Con lo que me quedo de esta conferencia; más de que hablara sobre la influencia de como la pintura, la fotografía y los artistas de esa época fueran pieza clave en el registro de antecedentes históricos que pasarían a ser referencia de cómo Estados Unidos se formó como nación; es que me entro la curiosidad de conocer más del universo poético de Walt Withman que no tenía el gusto de conocer  y que quizá hasta ahora no tuviera el gusto de conocer si no hubiera sido por que el Mtro. Morales comenzara su plática con unas estrofas de “Canto de mí mismo”, en términos generales la conferencia fue de gran aportación personal.

Procesos Fotográficos Antiguos

Procesos fotográficos antiguos

Daguerrotipo

1839  Inventado y patentado por Louis Jaques Mande Daguerre, retomá y se apropiá del trabajo de Nicéphoro Niepce (1765-1833).  Son positivos directos usando como soporte una placa de cobre previamente sensibilizada con yoduro de plata, siendo este último compuesto el que dará la imagen, la cual aparecera solo cuando haya una adecuada luz reflejada y una luz refractada condiciones lumínicas que favorecían un resultado positivo, si no cumplía estas condiciones el daguerrotipo aparecía como una imagen negativa.

Ambrotipo

1854 Patentada por James Ambrose Cutting. Es un negativo de colodión en vidrio blanqueado con ácido cítrico y presenta una imagen con tonos invertidos, por lo cual se le coloca sobre un papel negro, laca negra, terciopelo o betún de Judea para cubrir el reverso, dando de esta manera la apariencia de positivo. Se le conoce también positivo al colodión, daguerrotipo de los pobres o melatinotipo en Europa. El colodión se preparaba con yodo y bromo, antes de que secara, se sensibiliza en un baño de nitrato de plata, se exponía en la cámara aun húmeda la placa e inmediatamente se revelaba en una solución de sulfato ferroso, posteriormente la placa se fijaba con tiosufato de sodio y se lavaba, logrando así la imagen con tonos invertidos.
 

Ferrotipo (Tintype en EE.UU)

1852 Se le atribuye su descubrimiento a Adolphe Alexander Martin, otros aseguran que fue descubierto en 1856 por Hannibal L. Smith. Es un proceso que deriva del Ambrotipo solo que este utiliza placas delgadas de fierro como soporte, se recubre con betún de Judea o laca negra y posteriormente con colodión, sensibilizado con sales de plata para luego de esto exponerse a la luz. Para proteger la imagen se colorea y se recubre con barniz transparente o resina.

Calotipos o Talbotipos

1840 Se descubre por William Henry Fox Talbot, se patenta un año después. Fue el primer proceso que utilizo el sistema negativo-positivo. Los positivos obtenidos eran impresos en papel salado. La exposición en la cámara era de 3 seg. a 5 min, dependiendo la intensidad de la luz. De este negativo se obtenía un positivo, colocando el negativo en contacto con un papel impregnado con cloruro de plata y cloruro de sodio (sal común) conocido como “papel salado”. El negativo y el papel salado se ponían en una prensa y se exponían a la luz brillante del sol. Para entonar la imagen se sumergía la impresión, antes de fijarla, en una solución de cloruro de oro.

Cianotipos

1842 descubierta por Sir John Herschel. Es un proceso fotográfico que utiliza como soporte papel delgado de buena calidad sensibilizado con sales minerales (ferrocianuro férrico o azul de Prusia y ferrocianuro férreo) la cual produce una imagen en tono azul.

Platinotipos

1873 descubierta por William Willis. Es un proceso que empleaba sales de platino para producir la imagen, la cual era gris acerada con tonos negros neutrales mate, su soporte era papel delgado de algodón, con una cara cubierta con albumina fermentada  y sensibilizada con sales de plata. Esta impresión en un principio se elaboraba a partir de negativos de colodión sobre vidrio.

Colodión

1848 aplicado por Gustave L Gray, posteriormente lo retoma Frederick Scott Archer en 1851. Se emplea tanto para negativos como positivos. Se conocen 2 variantes: el colodión húmedo (ambrotipia, ferrotipia y negativos con soporte de vidrio) y el colodión seco (impresiones de papel y dependiendo el tipo de soporte se le conocía como colodión seco-mate y colodión seco-brillante). No requiere un revelador químico para imprimir por lo que se le denomina “papeles de autorrevelado” o negativos por contacto.

Autocromos

1904 patentada por Louis Lumiére. Considerado el primer proceso fotográfico a color. Es una imagen transparente coloreada sobre una placa de vidrio, que requieren de una fuente luminosa para observar con detalle la imagen producida.  

Impresiones al Carbón

1855 patentado por Louis-Alphonse Poitevin, perfeccionado posteriormente por Joseph Wilson Swan en 1866. El cual se empleaba para la elaboración de retratos, así también para la ilustración de libros de arte.

Colotipo

1851 Descubierto por Louis-Alphonse Poitevin. Fue considerado el primer proceso fotomecánico. Se caracterizaba por no presentar desvanecimiento en la imagen. Era un proceso de contacto con el negativo y de impresión gráfica.